유럽 미술관 여행 중 가장 기대했던 곳 가운데 하나가 바로 크뢸러-뮐러 미술관(Kröller-Müller Museum)이었다.

 

처음에는 이곳을 단순히 ‘세계에서 두 번째로 많은 반고흐 작품을 소장한 미술관’ 정도로만 알고 있었다.
하지만 하루를 온전히 이곳에서 보내고 나오면서 생각이 완전히 달라졌다.

 

이곳의 주인공은 반고흐가 아니었다.
오히려 예술을 먼저 알아본 사람들의 안목이었다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

오늘날 이 조각공원은 그의 공간 철학을 가장 잘 보여주는 대표적인 사례가 되었다.
이 미술관은 그림을 모은 공간이 아니라 안목·교육·건축이 만나 완성한 하나의 디자인 작품이었다.

 

 

<위대한 컬렉션은 안목에서 시작된다>

 

크뢸러-뮐러 미술관은 한 명의 천재가 만든 미술관이 아니다. 서로 다른 역할을 맡은 사람들이 긴 시간 함께 완성한 거대한 문화 프로젝트다.

 

그 중심에는 헬레네 크뢸러-뮐러가 있었다.
1905년 미술 감상을 배우기 시작한 그녀는 아직 세상이 제대로 평가하지 않았던 반고흐의 작품을 누구보다 먼저 알아보았다. 작품을 사 모으는 데 그치지 않고, 언젠가는 모든 사람이 함께 누릴 문화유산으로 남겨야 한다는 생각으로 자신의 컬렉션을 국가에 기증했다.

 

오늘날 이 미술관은 한 사람의 안목이 어떻게 한 시대의 문화유산이 될 수 있는지를 보여주는 가장 아름다운 사례다.
하지만 그녀 혼자만의 힘은 아니었다.
곁에는 미술평론가이자 교육자인 H. P. 브레머(H. P. Bremmer)가 있었다.

 

그는 단순히 작품을 추천하는 사람이 아니었다. 헬레네에게 ‘그림을 보는 눈’을 길러주었다.
예술이 인간의 삶과 정신을 어떻게 변화시키는지를 함께 공부했고, 반고흐를 비롯한 현대미술 작품을 컬렉션의 중심으로 삼도록 결정적인 영향을 주었다.

 

그리고 또 한 사람이 있다.
벨기에 출신 건축가 헨리 반 데 벨데(Henry van de Velde).
그 역시 단순히 건물을 설계한 사람이 아니었다. 그는 작품이 가장 아름답게 보이는 빛을 계산했고, 사람들이 가장 자연스럽게 걸으며 작품과 만나는 동선을 만들었다. 나아가 숲과 조각이 하나의 풍경이 되는 공간을 구상했다.

 

오늘날 이 조각공원은 그의 공간 철학을 가장 잘 보여주는 대표적인 사례가 되었다.
이 미술관은 그림을 모은 공간이 아니라 안목·교육·건축이 만나 완성한 하나의 디자인 작품이었다.

 

 

 

 

 

여기서는 자연이 작품의 배경이 아니다.
자연이 작품의 일부가 된다. 햇빛이 달라지면 조각도 달라지고, 바람이 불면 작품의 분위기 역시 함께 변한다.

 

 

 

 

 

크뢸러-뮐러 미술관은 한 명의 천재가 만든 미술관이 아니다. 서로 다른 역할을 맡은 사람들이 긴 시간 함께 완성한 거대한 문화 프로젝트다.

 

 

 

 

 

 

 

1905년 미술 감상을 배우기 시작한 그녀는 아직 세상이 제대로 평가하지 않았던 반고흐의 작품을 누구보다 먼저 알아보았다. 작품을 사 모으는 데 그치지 않고, 언젠가는 모든 사람이 함께 누릴 문화유산으로 남겨야 한다는 생각으로 자신의 컬렉션을 국가에 기증했다.

 

 

<숲은 또 하나의 전시실이었다>

 

실내만큼 오래 머문 곳은 야외 조각공원이었다. 끝없이 이어지는 숲길을 따라 걷다 보면 어느 순간 헨리 무어의 조각이 나타난다.

 

조금 더 걸으면 이동식 집이 하나의 조각처럼 서 있고, 또 다른 곳에서는 끝이 보이지 않는 계단이 숲속 전망대로 이어진다.
계단을 오르는 행위 자체가 작품이 되고, 풍경을 바라보는 시간이 전시가 된다.

 

여기서는 자연이 작품의 배경이 아니다.
자연이 작품의 일부가 된다.
햇빛이 달라지면 조각도 달라지고, 바람이 불면 작품의 분위기 역시 함께 변한다.

 

그래서 이곳의 조각정원은 야외 전시장이 아니라, 자연과 예술이 함께 완성하는 거대한 공간 디자인이다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

아이작 이스라엘스, 그에게 여행은 관광이 아니었다. 여행 자체가 작업실이었다. 그는 길 위에서 사람들을 관찰했고, 카페에서, 광장에서, 해변에서, 항구에서, 도시의 공기를 스케치북에 담았다.

 

 

<특별전이 보여준 또 하나의 유럽>

 

가장 뜻밖의 수확은 특별전이었다.
‘아이작 이스라엘스 유럽 전(Isaac Israels’ Europe)’

 

사실 아이작 이스라엘스(1865~1934)는 반고흐만큼 널리 알려진 화가는 아니다.
그는 네덜란드의 거장 요제프 이스라엘스의 아들이었지만, 아버지의 명성에 머무르지 않았다.
열세 살부터 유럽을 여행하며 독일, 프랑스, 영국, 이탈리아, 스페인, 오스트리아, 스칸디나비아 등을 끊임없이 오갔다.

 

그에게 여행은 관광이 아니었다. 여행 자체가 작업실이었다.
그는 길 위에서 사람들을 관찰했고, 카페에서, 광장에서, 해변에서, 항구에서, 도시의 공기를 스케치북에 담았다.

 

그렇게 기록된 작은 드로잉들은 훗날 그의 유화가 되었고, 한 시대 유럽의 삶을 담은 작품으로 다시 태어났다.

 

반고흐가 자신의 내면을 그려냈다면, 아이작 이스라엘스는 길 위에서 만난 사람들과 도시의 일상을 그려냈다. 그래서 그의 작품에는 ‘여행자의 시선’이 살아 있다.

 

무엇보다 인상적이었던 것은 이번 특별전이 완성된 그림보다 창작의 과정을 더 중요하게 보여주었다는 점이다.

 

전시장에는 유화뿐 아니라 여행 스케치북, 메모, 편지, 여권과 여행 서류까지 함께 전시되어 있었다.

 

한 화가가 어떤 길을 걸었고, 무엇을 보았으며, 어떻게 기록했고, 그 기록이 어떻게 예술이 되었는지를 하나의 이야기로 풀어내고 있었다.
마치 한 권의 여행일기를 읽는 기분이었다.

 

특히 전시 공간 디자인도 매우 뛰어났다.
전시는 파리, 런던, 함부르크, 스페인 등 도시별로 구성되어 있었다.
벽면의 색채도 도시마다 조금씩 달라지고, 공간을 구분하는 구조물은 국경을 넘는 듯한 리듬을 만들어낸다.

 

관람객은 작품을 감상하는 사람이 아니라 아이작 이스라엘스와 함께 유럽을 여행하는 동행자가 된다.

 

좋은 전시는 작품을 설명하는 것이 아니라 사람을 작품 속으로 데려간다는 사실을 다시 한 번 느꼈다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

크뢸러-뮐러 미술관은 작품보다 사람을 먼저 생각하게 한다. 숲길을 걷게 하고, 조각 앞에서 멈추게 하고, 다시 실내에서 그림과 만나게 한다.

 

 

<디자인은 결국 경험을 만드는 일이다>

 

가장 오래 남은 문장은 이것이었다.
“좋은 미술관은 그림을 많이 가진 곳이 아니라, 사람의 경험을 가장 잘 디자인한 곳이다.”

 

크뢸러-뮐러 미술관은 작품보다 사람을 먼저 생각하게 한다. 숲길을 걷게 하고, 조각 앞에서 멈추게 하고, 다시 실내에서 그림과 만나게 한다.
특별전에서는 도시를 따라 이동하며 여행자의 시선으로 작품을 읽게 만든다.

 

관람객은 하루 동안 수백 점의 작품을 본다. 하지만 집으로 돌아갈 때 기억에 남는 것은 그림 몇 점이 아니다. 
숲을 걸었던 감각, 공간을 통과했던 경험, 그리고 예술가와 함께 여행했던 시간이다.

 

크뢸러-뮐러 미술관에서 가장 크게 배운 것은 반고흐의 그림이 아니었다.
예술을 알아본 사람의 안목, 그 안목을 키워준 교육, 그리고 그 철학을 사람들의 경험으로 바꾸어낸 공간 디자인이었다.

 

그래서 이곳을 나오며 다시 한 번 깨달았다. 좋은 공간은 건축이 만드는 것이 아니라 철학이 만들고, 좋은 미술관은 명화가 만드는 것이 아니라 사람들의 안목과 그것을 경험으로 바꾸는 디자인이 완성한다는 사실을.

 

글, 사진_ 정석원 편집인